Charlie Billingham

Las obras de Charlie Billingham se están abriendo paso comenzando en el siglo XVIII en Inglaterra y llegando hasta el siglo XXI en España. En días pasados, Travesía Cuatro se convirtió en el hogar del primer show del artista en Madrid, una exhibición bajo el nombre de Desire Path y la cual estará abierta hasta enero. El nuevo trabajo del artista inglés refleja siluetas bulbosas y ranas con rostros expresivos; imágenes inspiradas y recompuestas de una impresión de James Gillray del siglo XVIII. Retiradas de su contexto satírico y reorganizadas sobre una pared de peces koi, las cuales fueron diseñadas por Billingham y estampadas a mano en tan solo dos días. Las pinturas adquieren un nuevo significado, el cual enfatiza el arte en lugar de la políticia, permitiendo al espectador imaginar cada pieza como una narración individual.

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Desire Path es tu primer show en Madrid. ¿Qué hay detrás de estas obras? 

Las imágenes de la colección fueron tomadas de una impresión de James Gillray de 1799. He tomado pequeñas secciones de la impresión para crear pinturas basadas en ella. Son impresiones satíricas, originales, pero al dividirlas en distintas partes, he descontextualizado en gran manera su signficado político y satírico. Algunas de las secciones las he repetido y reflejado en distintos colores, en referencia a la manera en la que el grabado original hubiera estado hecho en placas.

La colección logra algo distinto al tener animales como protagonistas, pero aún así mantiene la estética inspirada en el período de la Regencia de tus primeras obras. 

Sí. Tengo mucho  trabajo basado en estampados e ilustraciones de esa época, tomando en cuenta a satíricos como James Gillray, Thomas Rowlandson – quien fue contemporáneo de Gillray – y (George) Cruikshank quien perteneció a una generación después. 

Estudiaste en Edimburgo antes de formar parte del Royal Academy of Arts en Londres. ¿Fue ahí en donde descubriste el amor que tienes por ese periodo en el arte? 

En Edimburgo tomé un curso de 5 años que combinaba historia del arte y bellas artes, pero mi interés en el periodo de la Regencia nació cuando estaba en Royal Academy. Había estado interesado en los estampados por un largo tiempo ya que mis padres coleccionaban algunos de principios de los ochentas a través de un amigo de la familia. Los teníamos en la casa desde que era muy pequeño. Siempre me parecieron fascinantes, pero empecé a estudiarlos hasta que estuve en la escuela, y fue entre 2011 y 2012 que comencé a usar las imágenes en mis pinturas.

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Mientras crecías, ¿Te sentías atraído por la pintura? 

Probablemente desde muy pequeño. Cuando era un niño, hacía muchos dibujos de Asterix y Tintin, copiando distintas ilustraciones que me gustaban. He pintado óleos desde muy temprana edad. Mi madre era restauradora de arte y trabajaba con óleo, así que siempre teníamos pinturas en la casa. Después de algún tiempo en Edimburgo, me di cuenta que tenia más interés en la parte práctica del arte que en el lado académico. 

¿Qué es lo que las imágenes de caricaturistas como Gillray hacen para cautivarte? 

Existe mucho hedonismo. Pienso que en una manera grotesca, eso es intersante y hay algo particular en ese grabado, y el cual no parece estar presente en imágenes realizadas antes o después. El periodo de grabados que suelo ver tiende a ser de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Una generación antes, (William) Hogarth, quien fue muy influyente, comenzaría a usar este tipo de lineas, pero no fue hasta que Gillray también comenzó a implementarlas que se convertirían en algo grande. Después en el siglo XIX y en la época victoriana, el estilo volvió a cambiar drasticamente para convertirse en algo mucho menos fluido. Ese corto pero muy expresivo periodo, es el que más me atrae.

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Los estampados interpretan de manera única elementos como la desnudez, especialmente tomando en cuenta que son de principios de 1800. Tus obras transportan a las piezas originales hasta el 2017 manteniendo el medio tradicional de la pintura.

Estaba interesado en la manera en la que durante este periodo existía una libre acercamiento con la desnudez y el erotismo, lo cual era algo inusual en ese entonces y después se detuvo algunas décadas durante el periodo victoriano. Existe una gran colección de ilustraciones eróticas de Thomas Rowlandson. He usado algunas de ellas en mis pinturas y son muy explicitas, pero después del periodo victoriano, ese estilo ya no continuó. Supongo que la gente se hizo más conservadora. En el periodo de la Regencia  existe un acercamiento mucho más abierto con el erotismo. 

¿En dónde encuentras estos estampados de 200 años de antigüedad?

Conozco a un comerciante de estampados en Londres. Su nombre es Andrew Edmonds y tiene una tienda en SoHo y se especializa en este periodo. Hablamos y compré algunos estampados. También me enseñó a buscar y encontrar más imágenes online a través del Museo Británico. Así que trabajo a partir de éstos, mi colección, y muchísimos libros.

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¿Tu inspiración de color viene de los grabados originales? 

Selecciono los colores a través de mis propios experimentos. Desde ver cosas en la vida diaria, hasta encontrar combinaciones que realmente funcionen. La manera en el que recreo pinturas similares en distintos colores es también en referencia a la forma en la que las pinturas fueron hechas. El color era puesto después de imprimirlas, décadas más tarde y no por los artistas originales sino por la gente que se encargaba de esto. A veces, un estampado hecho en 1800 no era coloreado hasta 1850, así que al final obtenías gran variación en el color. Utilizo muchos colores pálidos, pasteles y diferentes tonos de verdes. Normalente uso verde savia, un color que realmente me gusta, es profundo y vívido. También uso bastante rosa. 

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Cada pintura de Desire Path es un acercamiento seleccionado de una toma más grande. ¿Qué ocurre en el estampado original? 

Hay una figura en medio con una gran barriga y está aferrándose a todos estos hombres y mujeres que lo rodean, con ranas por todas partes que imitan las posturas y el lenguaje corporal de los personajes humanos, justo como el hombre arrodillado inclinado hacia adelante. Trato de no enfocarme tanto en la historia o en la literatura de la imagen. Mi idea es deshacerme del significado politico. Intento  no leer demasiado sobre lo que está ocurriendo. Solamente busco las partes que me interesan.  

¿Qué significa eliminar ese contexto político, en términos de llevar las imágenes de finales del siglo XVIII- principios del siglo XIX al siglo XXI?

Solo espero que se convierta en algo que sea más sobre la pintura misma que de política o sátira. 

Texto y entrevista: LAURA CASADO
Fotografía: Cortesía de Travesía Cuatro

ENGLISH VERSION

Charlie Billingham’s artwork is quickly making its way from 18th century England to 21st century Spain and beyond. Over the weekend, Travesía Cuatro became home to the artist’s first gallery show in Madrid, an exhibition titled Desire Path that runs through mid-January. The British artist’s newest body of work is full of bulbous figures and expressive-looking frogs, isolated images inspired by and recomposed from a 18th century James Gillray print. Removed from their satirical context and reorganized on a colorful wall of koi carp and water ripples which were designed by Billingham and hand stamped with laser-cut foam over the course of two days, the paintings take on a new meaning that emphasizes artistry instead of politics, and allows the viewer to imagine each work in an individual narrative. 

 Desire Path is your first solo show in Madrid, can you tell me about the artwork?

The imagery for the collection is taken from a print by James Gilray from 1799, I’ve taken little sections of the print and created paintings based on that. They’re satirical prints, the originals, but by cropping out different sections I’ve decontextualized and taken away a lot of their original satire and political meaning. Some of the sections I’ve repeated and mirrored in different colorways, in reference to way the original etching would have been made on plates and then the printed as a mirror of the plates.

 The collection does something different by having animals as a main focus, but still  maintains the Regency-era aesthetic from your earlier works.

Yeah, I’ve made a lot of work based around prints and drawings from that period, looking at satirists like James Gillray, Thomas Rowlandson who was a contemporary of Gillray, and (George) Cruikshank who was from a slightly later generation.

You studied at Edinburgh before attending the Royal Academy of Arts in London, was it in school that you discovered a love for that art period?

At Edinburgh I did a 5 year course that was History of Art and Fine Art combined, but my interest in the Regency era came more when I was at the Royal Academy. I’d been interested in the prints for a long time because my parents had collected some in the early 80’s from a friend who was a print dealer, so we had them in the house since I was very young. I always found them really fascinating, but I didn’t really start to research them until I was in school, and then it was around 2011-2012 that I first started using the imagery in my paintings.

Had you been drawn to painting while growing up?

I think probably since I was very young, as a child I would do a lot of drawings of Asterix and Tintin, copying different cartoons and books that I liked. I’ve been painting in oils since I was young as well, my mum was an art conservator and used to restore oil paintings so we would always have paints in the house. Then about halfway through the course at Edinburgh, I really knew I was more interested in the studio side of art than in the academia.

What is it about the imagery of caricaturists like Gillray that captivates you?

There’s a lot of hedonism, I think, in a sort of grotesque way that’s interesting, and there’s a particular sort of line that I like in the etching which doesn’t seem to be present in earlier or later imagery. The period of etchings that I look at tend to be late 18th century and early 19th century. The generation before that was (William) Hogarth who was very influential and he starts to use these more fluid lines a bit, but it’s not really until Gillray that it becomes the more fashionable thing. And then into the 19th century and the Victorian period, the style changes again quite drastically and becomes less fluid and less loose. So that short period in-between of quite expressive line-making is something I’m very attracted to.

Alongside a divergence of artistic style, the prints have a unique and spirited interpretation of elements like nudity, especially considering they’re from the early 1800s. Your pieces pull the original works into 2017, but still through the traditional medium of painting.

Yeah, I was interested in the way that during this period there was quite a free approach towards unity and eroticism, which was a unusual thing for the time and then stopped a few decades later in the Victorian period. There’s a really great collection of erotic drawings by Thomas Rowlandson, I’ve used some of them in my paintings and they’re very explicit, but after during the Victorian period the style didn’t continue… I guess people became more conservative again about nudity. In the Regency Period there’s a more playful and open approach to eroticism.

Where do you find these 200-year-old prints?

 There’s a print dealer in London called Andrew Edmonds, he has a shop in SoHo and specializes in this period. I went to talk to him and bought some prints, and he also showed me how to find and print other images online through the British Museum. I work from these and my collection, and also quite a lot of books. 

Does your color inspiration come from the original etchings?

I pick the colors more through my own experiments, from looking at things in my everyday life and finding combinations that work well. But the way I repeat similar paintings in different colorways is also in reference to how the prints were made. They’d be colored after they were printed, decades later and not by the original artists but by people employed just to color them.  Sometimes a print made in 1800 wasn’t colored until the 1850s, so you’d end up getting a lot of color variations. In one there would be an orange waistcoat while in another it would be a pink waistcoat, and often they’d even add in stripes or decoration to keep up with the changing fashions. I use a lot of pale, pastel colors, a lot of different greens. I often use sap green which is an oil paint color that I really like, it’s quite vivid and deep. I try to use a big variety, I use pinks a lot as well.

Each painting in Desire Path is a select, zoomed-in glimpse of a larger frame; what’s going on in the original print?

 There’s a figure in the middle with a big tummy and he’s being clung onto by all these other men and women around him, with frogs all around that mimic the postures and body language of the human characters, like the man on his knees leaning forward. But I try not to focus too much on the story or literature behind the image, because my idea is more to remove that political meaning. If I know too much detail about the narrative, it gets in the way a bit so I try not to read too much about what’s happening. I just look for the bits that interest me.

What does removing that political context do, in terms of bringing late 18th/early 19th  century imagery into the 21st?

I hope that then it becomes more about painting itself rather than about politics or satire.